歌剧赏析复习资料

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1、莫扎特歌剧的音乐特点 1.赋予每个人物以不同的特性，根据剧情的发展，使得每个人物在各个发展阶段和不同环境之中，有着不同的情绪和心情反映。2.莫扎特还发展了重唱，并且以重唱来展开戏剧情节和作为音乐戏剧结构的基础。在他的作品中，有时重唱甚至比咏叹调、宣叙调的音乐还丰富。3.莫扎特在使歌剧带有民族特点方面比格鲁克进了一步，他写作歌剧魔笛时采用了德文歌词，吸取了许多德国传统民歌和新教圣咏，创造性地借鉴了意大利正歌剧和喜歌剧中的成功因素来丰富德国的歌唱剧体裁，为以后的德国浪漫主义的大歌剧的发展奠定了基础。4.莫扎特还创造性地发展了喜歌剧这种形式。扩大了题材 X 围，使喜歌剧可以表现更广、更丰富的题材内容

2、，并以多种形式表现，取得了伟大成就。5、莫扎特扩大了某些声部的表现力。那波里乐派的歌剧总是以高音声部作为主角。而莫扎特则很出色的运用男中音和男低音来担任主角。普契尼的生平及其歌剧创作 普契尼，意大利歌剧作曲家。出身音乐世家，但家境贫寒,早年丧父。从亡父的学生安杰罗尼和故乡鲁加的其他音乐家学习。10 岁开始当唱诗班歌童，14 岁任教堂管风琴手。1880 年入米兰音乐学院，1883 年毕业。1884 年创作第一部歌剧群妖围舞其后一直致力于歌剧创作。共有作品 12 部，成名作是 1893 年发表的曼侬列斯科，著名的有、玛侬.菜斯科(成名作，1893)、艺术家的生涯、托斯卡、蝴蝶夫人、西方女郎等。取材

3、作家戈齐的一篇有关中国故事的歌剧图兰朵没有完成，其中采用了中国民歌茉莉花。其创作有真实主义倾向，多取材于下层市民生活，表现了资产阶级知识分子对他们的同情，但有时对中下层人们精神世界的反映缺乏更深刻的社会思想。音乐语言丰富、旋律优美明媚，具有及强的歌唱性。配器与和声技术高超。剧情遵循“有趣、惊人、动人”的原则，善于驾驭舞台戏剧效果。他是十九世纪末至欧战前真实主义歌剧流派的代表人物之一。这一流派追求题材真实，感情鲜明，戏剧效果惊人而优于浪漫主义作品。普契尼的音乐中吸收话剧式的对话手法，注意不以歌唱阻碍剧情的展开，除直接采用各国民歌外，还善于使用新手法。德国喜歌剧 18 世纪中叶前后，在德奥兴起了一

4、种新型的喜歌剧形式，称作歌唱剧。其形式也是歌唱与说白相结合的，内容并不全是喜剧性的，大部分的歌唱剧都以民间生活为题材，音乐风格简朴无华但有感染力。音调亦往往突出城市或乡村歌曲音调风格。歌曲、舞曲和夹白在演出中交替进行。德国歌唱剧的杰出作曲家首推约翰亚当希勒(Hiller Jon hann Adaml728-1804 年)，他是德国歌唱剧的创始人之一。1752 年斯坦德福斯(standfuss)的妇女之变、1770 年希勒(Hiller，1728-1804)的狩猎等是这一剧种最早的例子。1778 年，维也纳成立了专门上演德国歌唱剧的国立歌剧院，歌唱剧从此获得了正式的地位。希勒的作品综合了英国、法

5、国、意大利喜歌剧的特点，在音乐上则采用了本国民族歌曲，许多歌唱剧中的歌曲后来编人了民歌集，成为独立演唱的民歌。18 世纪末-19 世纪初，莫扎特的魔笛（1791）、后宫诱逃（1782）、韦伯的自由射手（1821）等作品，发展了角色个性，展开了人物冲突，将歌唱剧和德国民族歌剧推向更高艺术层次。后来奥托尼科莱的温莎的风流娘儿们(根据莎士比亚的作品改编)，于 1849年在柏林上演后结果不同反响。这部歌剧写得干净利落，剧本和最优美的传统的音乐结合在一起，充满了引人入胜的乐思这部舞台效果至今不衰的作品属于当时典型杰作。卡门 第一幕中卡门所唱的哈巴涅拉爱情就象一只不驯服的鸟，是表现卡门性格的一首歌曲。它通

6、过连续向下滑行乐句的不断反复，调性游移于同名大小调间，以及旋律始终在中低音区的八度内徘徊等特征，表现了卡门热情奔放、魅力诱人的形象。第一幕中另一首西班牙塞吉第亚舞曲带有咏叹调性质，以鲜明活泼的节奏、热情而又带有几分野气的旋律，进一步展示了卡门泼辣的性格。第二幕中的斗牛士之歌，是埃斯卡米里奥答谢欢迎和崇拜他的群众而唱的一首歌。它采用单二部曲式（主、副歌形式）与分节歌的结合，雄壮的音调，有力的节奏，宛若一首凯旋的进行曲。第三幕占卜一场，卡门与两位女伴的三重唱，对卡门作了深刻的心理刻划。歌曲采用回旋曲的形式，对比的几个插部，调式、调性和节拍都与主部形成对比，而由卡门唱出的“不管洗多少遍，这些无情的纸

7、牌，总告诉你死！”这深沉而哀伤的内心独白，进一步揭示出卡门的悲剧命运。钟楼怪人与众不同的音乐剧：当今著名的音乐剧大多是由纽约百老汇和伦敦西区的演艺公司包装而成的，因此这些剧目也带有了百老汇和西区特有的风格特征和运作方式。而巴黎圣母院却是一个例外，它是少数几部闻名世界却没有受到百老汇和西区影响的著名音乐剧。巴黎圣母院诞生于法国巴黎，远离纽约和伦敦，先天就没有受到百老汇和西区的影响。而作品诞生后，从包装到制作推销的整个过程，也全部是由法国公司全权包办的，而不像悲惨世界和西贡小姐那样在法国诞生，却由伦敦西区的公司来包装和运作。因而，巴黎圣母院中几乎没有百老汇和伦敦西区的印记，观看过该剧的人也往往会有

8、与众不同的感受。舞蹈角色与歌唱角色分离：巴黎圣母院的一大特色是采用了舞蹈和歌唱相分离的形式，也就是跳舞的演员不唱歌，而歌唱的演员不跳舞。这与当今大多数音乐剧处理歌唱和舞蹈的做法不太相符。在音乐剧中，舞蹈和歌唱演员的角色分配会有侧重，但基本上没有绝对分开的情况，歌唱演员也会和舞蹈演员一起舞蹈，而舞蹈演员也会参与歌唱（更多是合唱），从而体现出歌舞一体的样式。而巴黎圣母院则是将两者完全的分离，整个剧目的歌曲全部由 7位主要演员演唱，他们歌唱的时候不参与任何舞蹈，个个全情投入，就像聚光灯下的超级明星。舞蹈演员则完全不参与歌曲的演唱，在,，等几个大场面的段落中，舞蹈几乎就是演出的全部。将舞蹈与歌唱完全分

9、离，可以让两者更加投入于自己的演出，将各自的表演发挥到极致。而不需要因为歌唱演员的缘故而降低舞蹈的难度，也不需要因为舞蹈演员的缘故而影响声音的质量。当歌唱演员用声音表达情感时，一旁的舞者就全情投入地用肢体表达复杂的感情纠葛。以爱斯米拉达一出场为例，当她演唱起的时候，在她身旁的舞者就跳起狂热欢快的舞蹈，这样的舞蹈比演唱更能表现她内心奔放的思想。而当菲比斯演唱一曲时，在他身旁的四位男性舞者只露着背影跳舞，让人感受到他黑暗的内心和痛苦的抉择。在巴黎圣母院中，歌唱者用具象的歌词来表达情感，舞者用抽象的动作来表达情感，歌者和舞者在同一舞台上同时表达了内在和外在、具象和抽象。在舞蹈动作上，编舞还给予舞者很

10、大的自由度，有些段落明显带有自由发挥的成份。同时舞者在舞蹈时还运用了栏杆、棍棒等道具，体现出了写实和写意的双重效果。流行化的演绎：在演唱方法上，巴黎圣母院完全运用了流行唱法，没有融入一点美声唱法。而在演奏乐器上，巴黎圣母院也全部采用电声乐器，没有一件管弦乐器。这两者都表明了巴黎圣母院追求纯粹流行风格的姿态。而在其他大多数音乐剧中，多多少少都会融入美声唱法，在伴奏乐器上，也大多以管弦乐器为主，或者在其中加入一些摇滚电声乐器，很少见到纯流行乐器伴奏的情况。独特的演唱安排：在巴黎圣母院中特别偏重独唱，整场 50 段音乐中，绝大部分都是独唱，你方唱罢我登场，一首接一首，而较少有重唱。合唱只有结尾等少数

11、几个地方才出现过，而且采用的是事先录制好的背景式合唱。由于没有现场演员的参与，因此即便听到合唱，也缺少了合唱的真实感。在大多数音乐剧中，为了更好地表现起伏的剧情和丰富的声音层次，一般会将独唱，重唱和合唱进行合理的安排，不会过份偏重于独唱，也不可能过份偏重于重唱或合唱。巴黎圣母院对独唱的偏好，会让人感到声音层次不够丰富，在形式上略显得单调了。造成这一状况的主要原因还是在于舞蹈角色和演唱角色的完全分离。由于舞蹈角色不参与演唱，因此全剧的歌唱段落就全部落在了 7 位主要角色身上，这 7 个人在剧中全部聚在一起的时候就已经很少了，要一起重唱和合唱就更难了。好在剧中的每一首歌曲都非常好听，这也多少弥补了

12、歌唱形式上的简单。与众不同的音乐创作手法：巴黎圣母院中的音乐共有 50 段。作曲者对于每一首歌曲都是独立成篇的，很少追求歌曲与歌曲之间共同的音乐材料。除了几首是完全反复之外，几乎首首都是全新的创作。因而你在音乐上很难找到歌曲与歌曲之间的联系，在欣赏时会有现场音乐会的感觉。如果在观赏时没有歌词提示，你闭上眼睛很容易感觉这是一 X 法国流行音乐的精选辑，而不是一部音乐剧。说的专业一点就是，巴黎圣母院没有采用大多数音乐剧采用的主题音乐素材变化发展的手法。巴黎圣母院的这一做法与大多数音乐剧的创作手法不同。如今，绝大多数的音乐剧还是采用主题素材变化的手法：作曲者将几个主题音乐素材，在不同的人物和故事情节

13、中进行变化，使其贯穿在整个剧目中，让人感觉到有些音乐片段会时时萦绕在耳边。这一手法在音乐剧 悲惨世界中就非常明显，在悲剧中真正全新的音乐只占到了全剧音乐的三分之一，而全剧音乐就是根据这三分之一的音乐素材，将其进行变化和延伸而形成的。当耳边不时地听到自己熟悉的音乐主题，既感到亲切又加深了人物和故事情节的印象。在音乐剧的创作中，对立统一的原则是极为重要的，也就是既要有音乐的不断变化，又要有音乐的统一呼应。如果变化太多，会给人捉摸不定的感觉，如果统一太多，不免会让人有厌烦情绪。巴黎圣母院这样的创作手法，给人的感觉是变化有余，而相对缺乏统一。当然也有这种可能：作曲者对自己的旋律写作非常有信心，可以保证

14、每一首歌曲都优美动听，但如果让他运用主题素材变化的手法，反而影响了他对歌曲的自由创作，写得不自 由也不优美了。不用伴奏用录音：巴黎圣母院中没有使用现场伴奏，这也是很少见的。在百老汇和伦敦西区的音乐剧中，基本上都是乐队现场伴奏。巴黎圣母院则是播放预先录制好的配乐。这一做法一开始就引起了很多人的争议，因为人们感到录音会显得死板而没有生气，类似于现在明星假唱的感觉。但事实证明，这并不影响实际的效果，最重要的原因在于巴黎圣母院的音乐全部是电声乐器演奏的，对于电声乐器而言，录音与现场演奏的差别并不大。而且在剧中也没有哪个地方需要音乐节奏上的松动，因此完全可以事先录制好，用一样的节奏数以万次的演奏。当然，

15、最重要恐怕还是省钱，本来需要许多人的现场演奏，现在只要一盘录音带就解决了，作为一个长期演出的剧目，这样的方式可以省下一大笔费用。还有一个特别之处是采用了耳挂式麦克风，演员把麦克风挂在嘴边，暴露在观众面前，这种耳挂式麦克风常常用在劲歌狂舞的歌星身上。在绝大多数的音乐剧中，往往把麦克风藏在头发胡子等看不见的地方，俗称隐藏式麦克风，因为这样可以感觉更象演员，而不是歌星。巴黎圣母院的这一做法确实让许多人很吃惊。当演唱者每人一个耳挂式麦克风站在舞台上高声歌唱，配合着舞者的舞蹈和灯光，让人感觉就像是一场歌舞巨星的演唱会，很有视觉上的现场感，但相对而言，就缺少了一些戏剧的感觉。高空特技尽显魅力：剧中的高空特

16、技也非常令人惊异。比如卡西莫多对着自己心爱的大钟倾吐内心爱慕之情的时候，三个大钟顿时从天而降，在每一个钟里面都有一个特技演员，他们扮演钟摆奋力地摇摆，撞击着大钟，发出震人心魄的声音。看着特技演员挂在大钟里面，作着各种各样的动作，配合着巨大的钟声，再加上卡西莫多热烈而近乎嘶吼的声音，绝对是一段感人至深的场面。还有爱斯米拉达被吊死的一幕，以及卡西莫多在临终前的四位舞者吊在钢丝上的演出，都给人留下了深刻的印象。可以说这多少归功于高空特技带来的震撼。这些动作的表演者可不是一般人可以胜任的，他们中有许多是从运动员或杂技演员转行过来的，其中就有以舞蹈特技表演而名声大噪的七人团，著名电影导演鲁贝松曾经根据他

17、们 7 人的高超特技表演拍成了电影企业战士，在欧洲青少年中产生了很大反响。抽象的布景：巴黎圣母院的布景是简单而有冲击力的。剧目一开场，呈现在观众面前是一堵由几十块泡沫拼板拼成的大墙，再加上几根大柱，就组成了巴黎圣母院，在灯光的映衬下，呈现出神秘幽暗的气氛。这样的设计显然只露出了巴黎圣母院一个很小的部分，让人不能马上看明白，却能给人更多的想象。像百老汇和伦敦西区的大多数音乐剧，在道具上则更多强调仿真，让人一看就明白，与他们相比，巴黎圣母院在布景的设计上要显得抽象得多。在长达 3 小时的演出里，这堵高大威武的大墙始终屹立在舞台上，由于舞台的高度和宽度完全被大墙占满，已经不便于在纵向的平面上布置太多

18、的布景和道具，因而在整个剧目中，大墙的前面始终保留了一大片空地，以便演唱者和舞蹈者有充足的舞台来表演。这样的设计使得舞台上大多数的时候只有演员，而没有其他的布景和道具，给人以现场音乐会的效果。与众不同的好剧目：像这样一部与众不同的剧目，自然比较容易受到各方面的关注。同绝大多数著名的音乐剧一样，巴黎圣母院在诞生后遭受的指责也不少。比如伦敦快报评论说：几根丑陋的水泥柱子和一堵墙来代表美丽的巴黎圣母院，实在有失水准。电讯日报评论说音乐声音过于喧闹，而演员只注重嗓音而不注重表演，泰姆士报评论说歌曲的安排显得杂乱而没有层次等等。当然，赞扬和褒奖的评论要远远比批评的多得多。巴黎圣母院在各个方面都体现了它追

19、新求异的姿态，似乎也在向世人表明，这不是一部百老汇和伦敦西区的音乐剧，而是一部完全由法国人自己制造的音乐剧。歌剧：（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵)。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以 XX 故事为题材，宣扬 XX 观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是 16 世纪末、17 世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。魔笛，

20、二幕或四幕歌唱剧，是莫扎特三部最杰出歌剧中的一部，他融合了十八世纪以前德、奥、意、法、捷等国家所特有的各种音乐形式和戏剧表现手法，使其音乐语言更为丰富。可以说它是一部集大成的歌唱剧，在当时维也纳通俗戏剧的构架上很好的统一了意大利歌剧与德国民谣的风格，既带有正剧的严谨又包含着喜剧的灵活。其音乐将神秘、圣洁的XX 色彩和明朗、欢快的世俗色彩巧妙地结合在一起，十分动听。真实主义歌剧：19 世纪末，以马斯卡尼、普契尼为代表创立的以真实主义思想为基础的歌剧艺术，取材于现实生活，反映社会下层人物的生活，对现实社会有一定的揭露和反抗意义。卡门（四幕歌剧）法国作曲家比才曲，作于 1872 年。梅尔哈克和阿勒维

21、根据梅里美的同名小说改编。1875 年初次演出于巴黎。该剧是迄今为止上演次数最多、受欢迎程度最高的一部歌剧。比才的才华在此剧中表现得淋漓尽致，奔放优美而富有地方色彩的音乐，自始至终都保持着生动的情调。帕瓦罗蒂：（Luciano Pavarotti，1935.10.122007.9.6），世界著名的意大利男高音歌唱家。帕瓦罗蒂被许多人誉为他那一代最伟大男高音。帕瓦罗蒂的嗓音丰满、充沛，带有透明感的明亮。其中高声区统一，音色宽厚，带有强烈的自然美感。帕瓦罗蒂具有十分漂亮的音色，在两个八度以上的整个音域里，所有音均能迸射出明亮、晶莹的光辉。被一般男高音视为畏途的“高音 c”也能唱得清畅、圆润而富于穿

22、透力，因而被誉为“高音 c 之王”。卡拉斯：著名的美籍希腊女高音歌唱家（1923-1977），以对角色深刻的理解和细致而富于创造性的处理，使得听众进一步领略到歌剧的音乐美和戏剧美，并对十九世纪早期美声风格的歌剧如梦游女等新的认识。她一生演出歌剧百部以上，音量幅度极宽，从轻巧的花腔女高音到最壮实的戏剧性声部都能胜任，有机地把富有强烈戏剧性和有俏丽灵活特点的花腔唱法结合在一起。擅于形体表演，具有崇高、隽永的雕塑美。是世界公认的全能女高音歌唱家。她对“复活”十九世纪早期意大利歌剧、对歌剧表演艺术的发展、创新起了巨大的推进作用。猫是音乐剧历史上最成功的剧目。该剧创作于 1981 年，是在伦敦上演时间最长、美国戏剧史上持续巡回演出时间最长的音乐剧，1981 年 5月 11 日首演于伦敦西区新伦敦剧院。猫是英国作曲家安德鲁洛伊德韦伯（Andrew Lloyd Webber）根据艾略特（T.S.Eliot）的诗集 老负鼠讲讲世上的猫谱曲的音乐歌舞剧。